Игорь Стравинский - биография, новости, личная жизнь

Возраст: 142 (со дня рождения)

Возраст смерти: 88 лет

Игорь Федорович Стравинский. Родился 5 (17) июня 1882 года в Ораниенбауме Санкт-Петербургской губернии - умер 6 апреля 1971 года в Нью-Йорке. Русский композитор. Один из крупнейших представителей мировой музыкальной культуры XX века.

Игорь Стравинский родился 5 (17 по новому стилю) июня 1882 года в Ораниенбауме Санкт-Петербургской губернии в музыкальной семье.

Отец - Федор Игнатьевич Стравинский, оперный певец, солист Мариинского театра.

Мать - Анна Кирилловна Холодовская (11.08.1854 - 07.06.1939), пианистка и певица, была постоянным концертмейстером на концертах мужа.

Брат - Роман (1874-1897).

Брат - Юрий (1878-1941), архитектор.

Брат - Гурий (1884-1917), артист Мариинского театра, бас-баритон, умер от тифа и перитонита в Яссах на Южном фронте Первой Мировой войны, похоронен в могиле отца.

Жили на Швейцарской улице в Ораниенбауме. В доме Стравинских в Петербурге принимали музыкантов, артистов, писателей, в числе которых был и Федор Достоевский.

С ранних лет у Игоря обнаружился идеальный музыкальный слух. С 1896 по 1899 год он брал частные уроки фортепиано у А.П. Снетковой, а затем занимался с Л.А. Кашперовой (российская и советская пианистка, композитор и музыкальный педагог). Сам Игорь Стравинский впоследствии отмечал: «Единственной идиосинкразией мадемуазель Кашперовой как педагога был полный запрет пользоваться педалями; я должен был держать звук пальцами, подобно органисту; возможно, это было предзнаменованием, поскольку я никогда не писал музыку, требовавшую усиленной педализации».

На формирование музыкальных вкусов Стравинского в этот период оказал большое влияние его старший товарищ - композитор и пианист И.В. Покровский, который знакомил его с западноевропейской музыкой, в первую очередь с французской (Ш. Гуно, Ж. Бизе, Л. Делиб, Э. Шабрие и др.), помогая ему освобождаться от влияния музыкального академизма того времени.

Игорь Стравинский отмечал, что наиболее тесное общение с Покровским, оказавшим «решительное влияние» на его жизнь, относится к 1897-1899 годам: «Когда мы встретились с ним, я еще учился в гимназии, а он уже окончил университет; он был ровно на столько старше меня, чтобы я мог считать его авторитетом... Покровский казался мне кем-то вроде блистательного Бодлера в противовес esprit beige (провинциализму) моей семьи. Вскоре я стал проводить с ним все свое время, даже за счет школьных занятий».

Родители Игоря Стравинского

В 19 лет после окончания гимназии Гуревича, по настоянию родителей, поступил на юридический факультет Санкт-Петербургского университета, одновременно приступив к самостоятельному изучению музыкально-теоретических дисциплин.

С 1904 по 1906 год Игорь Стравинский брал частные уроки у Н.А. Римского-Корсакова, который предложил Стравинскому занятия два раза в неделю, параллельно с его уроками у В.П. Калафати.

Под руководством Римского-Корсакова в 1906 году им были написаны первые сочинения - скерцо и соната для фортепиано, сюита для голоса с оркестром «Фавн и пастушка» и т. д. На премьере сюиты присутствовал Сергей Дягилев, высоко оценивший талант молодого композитора.

Через некоторое время Дягилев предложил ему написать балет для постановки в «Русских сезонах» в Париже в 1910 году. В течение трех лет сотрудничества с труппой Дягилева Стравинский написал три балета, принесших ему мировую известность - «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911) и «Весна священная» (1913). В эти годы (главным образом, в связи с постановками С. Дягилева) Стравинский неоднократно ездил в Париж.

В июне 1911 года, вскоре после парижской премьеры «Петрушки» в «Русских балетах» Дягилева, Стравинский познакомился с Эриком Сати, которого определял как «самого странного человека, которого когда-либо знал», но притом называл его «самым замечательным» и «неизменно остроумным». Осенью того же года состоялась историческая встреча и фотографирование в доме Клода Дебюсси, где в дружеской обстановке пообедали три композитора, имевших прямое отношение к стилю импрессионизм в музыке: его «предтеча» и основоположник (Эрик Сати), общепризнанный глава (Клод Дебюсси) и русский последователь (Игорь Стравинский), уже обозначивший свое движение к другим стилям.

Дебюсси считал, что «молодая русская школа» подпала под иностранное влияние: «Сам Стравинский опасно уклоняется в сторону Шенберга, но, впрочем, остается самым чудесным оркестровым механизмом этого времени». Русский композитор позже познакомился с этими словами Дебюсси и связывал их с тем энтузиазмом, с которым он принял вокально-инструментальный цикл «Лунный Пьеро» Шенберга, прослушивание которого (в 1912 году в Берлине) по словам Стравинского было большим событием в его жизни.

Переписка Стравинского и Сати, начавшаяся в 1913 году, насчитывает десятки писем. Некоторые произведения Сати, в особенности балет «Парад» (1917) и кантата «Сократ» (1918, авторское обозначение «симфоническая драма»), значительно повлияли на творчество Стравинского. Сам Стравинский отзывался о «Сократе» Сати, как и о профессиональных достоинствах его автора, скептично и сдержанно.

В начале 1914 года, накануне Первой мировой войны, выехал с семьей в Швейцарию. Из-за начавшейся войны, а затем революции Стравинские в Россию не вернулись. С весны 1915 года композитор жил с семьей в Морже близ Лозанны, с 1920 - преимущественно в Париже.

Среди сочинений этого времени - опера «Соловей» по одноименной сказке Андерсена (1914) и «История солдата» (1918). Этим же временем датируется сближение Стравинского с французской «Шестеркой». После окончания войны Стравинский принял решение не возвращаться в Россию и спустя некоторое время переехал во Францию.

В 1919 году композитор по заказу Дягилева написал балет «Пульчинелла», поставленный год спустя.

В 1922 году мать композитора, Анна Холодовская, выехала из России и жила в доме сына в Париже (умерла в 1939 году, похоронена на кладбище Сент-Женевьев-де-Буа). Игорь Стравинский посвятил ей песню «Незабудочка-цветочек» из «Двух стихотворений К. Бальмонта для голоса и фортепиано».

Стравинский оставался во Франции до 1940 года. Здесь состоялись премьеры его последних русских сочинений - камерной оперы «Мавра» (1922) и небольшой хореографической кантаты «Свадебка» (1923), а также сочинений, написанных в неоклассической манере, среди которых балеты «Пульчинелла» (1920) и «Поцелуй феи» (1928).

Игорь Стравинский в молодости

В Париже он впервые обратился к духовной музыке - написал «Отче наш» для хора без сопровождения (1928) и знаменитую «Симфонию псалмов» (1930) на латинские тексты Псалтири (1930; впервые исполнена в декабре того же года в Брюсселе Э. Ансерме).

С 1915 Стравинский периодически выступал в качестве дирижера собственных сочинений. В 1924 году Стравинский дебютировал в качестве пианиста, исполнив собственный Концерт для фортепиано и духового оркестра под управлением Сергея Кусевицкого.

В начале 1930-х годов Стравинский написал Концерт для скрипки с оркестром и Концерт для двух фортепиано. В 1933-1934 годах по заказу Иды Рубинштейн совместно с Андре Жидом Стравинский сочинил мелодраму «Персефона».

В 1934 Игорь Стравинский принял французское гражданство.

В 1935 году издал (по-французски) мемуары под названием «Хроника моей жизни». Позже Стравинский вспоминал парижские годы как самое несчастливое время его жизни в связи с чередой смертей его близких.

С 1936 года Стравинский периодически ездил с гастролями в США, в ходе которых укрепились его творческие связи с этой страной. В 1937 году в нью-йоркском театре Метрополитен-опера был поставлен балет «Игра в карты», год спустя был исполнен концерт «Дамбартон-Окс». Стравинского пригласили прочитать курс лекций в Гарвардском университете.

В связи с началом Второй мировой войны Стравинский принял решение переехать в США. Сначала он поселился в Сан-Франциско, а затем в Лос-Анджелесе. В 1945 году он получил американское гражданство.

Его самые известные произведения того периода - опера «Похождения повесы» (1951), ставшая апофеозом неоклассического периода, балеты «Орфей» (1948), Симфония до мажор (1940) и Симфония в трех частях (1945), Эбони-концерт для кларнета и джаз-оркестра (1946).

В январе 1944 года, в связи с исполнением необычной аранжировки гимна США в Бостоне, местная полиция арестовала Стравинского и предупредила, что существует ответственность в виде штрафа за искажение гимна. Сам композитор опровергал эту историю.

С начала 1950-х годов Стравинский начал систематически использовать серийный принцип. Переходным сочинением стала Кантата на стихи английских анонимных поэтов, в которой обозначилась тенденция тотальной полифонизации музыки.

Первым серийным сочинением стал Септет (1953). Серийным сочинением, в котором Стравинский совершенно отказался от тональности, стали «Threni» (Плач пророка Иеремии, 1958). Произведение, в котором серийный принцип абсолютен, - «Движения» для фортепиано с оркестром (1959) и Вариации памяти Олдоса Хаксли для оркестра. В 1966 году Стравинский написал «Заупокойные песнопения» (Requiem canticles) - небольшое камерное по стилю сочинение (в отличие от масштабных «патетических» реквиемов романтиков), которое считал завершающим в своей творческой карьере.

Особенности творчества Игоря Стравинского

Стравинский работал практически во всех современных ему жанрах. В его творческом наследии оперы, балеты, симфонии, кантаты и оратории, концерты для солирующих инструментов с оркестром, камерная инструментальная и вокальная музыка.

Творческую карьеру Стравинского подразделяют на три периода - русский, неоклассический и серийный. Это подразделение условно и противоречиво, например, сочинения «на русскую тему» («Отче наш», «Верую», «Богородице Дево радуйся», «Скерцо в русском стиле» и др.) Стравинский писал в годы, которые причисляют к периоду неоклассицизма, а обращение к темам прошлого (балет «Агон», хоровой Реквием) характерно не только для неоклассического, но и для серийного периода. Опера «Похождения повесы» (1951) считается «неоклассической», хотя написана уже в «серийные» годы и совершенно иным языком, нежели балет «Пульчинелла» (1920).

Русский период Игоря Стравинского

Первый этап музыкальной карьеры Стравинского (не считая некоторых его ранних работ) отсчитывается от написания оркестровой фантазии «Фейерверк» и включает три балета, созданных им для труппы Дягилева («Жар-птица», «Петрушка» и «Весна священная»). Эти произведения характеризуются рядом схожих черт: все они рассчитаны на большой оркестр, и в них активно используются русские фольклорные темы и мотивы. В них также явственно прослеживается развитие стилистических особенностей - от «Жар-птицы», выражающей и акцентирующей определенные направления в творчестве Римского-Корсакова, основанной на ярко выраженных свободных диатонических созвучиях (особенно в третьем действии), через политональность, характерную для «Петрушки», к нарочито грубым проявлениям полиритмии и диссонанса, которые заметны в «Весне священной».

Применительно к последнему произведению некоторые ссылаются на намерение Стравинского создать своего рода «адскую» атмосферу. С такой точки зрения первое представление «Весны священной» в 1913 году можно было счесть довольно успешным: премьера прошла весьма бурно, вплоть до того, что сам Стравинский в автобиографии характеризовал ее как «скандал» (фр. scandale). Отдельные свидетели утверждали, что местами в зале наблюдались стычки, и второй акт потребовалось проводить в присутствии полиции. Исследователи, впрочем, обращают внимание на противоречия в различных версиях изложения событий.

Помимо перечисленных выше произведений, к данному периоду в творчестве Стравинского относят оперу «Соловей» (1916) и три сочинения для музыкального театра - «История солдата» (1918), «Байка про лису, петуха, кота да барана» (1916), «Свадебка» (1923), каждое из которых имеет (в виде подзаголовка) уникальное авторское обозначение жанра.

«Неоклассический» период Игоря Стравинского

Первым неоклассическим сочинением Стравинского стал балет с пением «Пульчинелла» (1920), где композитор опирался на музыку итальянских композиторов XVIII века, особенно Дж. Перголези, а собственную музыку (гармонию, ритм, оркестровку) явным образом стилизовал в манере классицизма. В гораздо большей степени индивидуальность Стравинского проявила себя в камерной опере «Мавра» (1922); по этой причине некоторые музыковеды считают именно «Мавру» рубежным произведением, завершающим русский и начинающим «неоклассический» период творчества Стравинского.

Неоклассицизм в диапазоне от искусной стилизации музыки прошлого (барокко, классицизма, романтизма) до глубокого ее переосмысления отличает оперу-ораторию «Царь Эдип» (1927, на латинский текст), балет «Поцелуй феи» (1928, с использованием музыки П. И. Чайковского), Концерт для камерного оркестра «Дамбартон-Окс» (1938).

Балет «Аполлон Мусагет» (1928), балет «Орфей» (1947) и мелодрама «Персефона» (1933), написанные на «античную тему» (с опорой на древнегреческую мифологию), хотя с точки зрения техники композиции и не имеют ничего общего с классической (то есть античной) музыкой, также причисляются к произведениям неоклассического периода Стравинского. В рамки данного периода укладываются также три симфонии: «Симфония псалмов» (1930), Симфония in C (1940) и «Симфония в трех частях» (1945).

«Серийный» период Игоря Стравинского

В 1950-е годы композитор начал использовать в своих сочинениях серийную технику. Первые эксперименты с серийной техникой прослеживаются в небольших композициях 1952-1953 годов «Кантата», «Септет» и «Три песни из Вильяма Шекспира».

В «Canticum sacrum», созданном в 1955 году, одна из пяти частей (Surge Aquilo) полностью додекафонна. Впоследствии композитор использовал серийную технику в своих сочинениях «Агон» (1957), «Плач пророка Иеремии» (1958), «Проповедь, притча и молитва» (1961, два последних основаны на библейских текстах и мотивах), а также в мистерии «Потоп» (1962), представляющей собой синтез выдержек из Книги Бытия со средневековыми английскими мистериями; в «Потопе» также используется текст католического гимна Te Deum.

Серийные опыты Стравинского воспринимались одними как «формалистический» тренд, как «окончательный разрыв» с национальной традицией, другими - как попытка «объективации» музыкального языка, как запоздалое стремление придать языку «универсальный» характер. С точки зрения техники композиции, в отличие от нововенцев (Шенберга, Веберна и Берга) Стравинский поначалу обращался с серией весьма свободно, писал короткие серии (не использовал все 12 тонов), допускал повторения тонов, объединял разновысотные звуки в «псевдо-трезвучия», не распространял серии на все сочинение, оформляя в серийной технике лишь отдельные части.

Свертывание ротационных сегментов в аккордовые вертикали и их последовательности легло в основу серийной гармонии позднего Стравинского. Перенесение акцента с полифонических на гармонические способы разработки 12-тонового ряда позволило композитору создать индивидуально-авторский вариант серийной техники.

Стиль Игоря Стравинского

Стиль Стравинского невозможно описать коротко и однозначно (как это возможно, например, в отношении венского классика Моцарта или романтика Шопена). Причина этого - в непрерывных стилевых поисках и композиционно-технических экспериментах, которыми отмечены работы композитора на протяжении всей его жизни. Вследствие изменчивости стилевых и композиционно-технических предпочтений Стравинского западная историография окрестила его «Протеем двадцатого века».

«Русское» в музыке Стравинского, наиболее заметное в использовании им характерных особенностей жанров крестьянского и городского фольклора (как в песенных сборниках «Прибаутки» и «Кошачьи колыбельные», в «Свадебке», в «Петрушке») - мелодики, гармонии, ритмики, фактуры и т. д. - не ограничивается опусами так называемого русского периода. Явные и латентные отголоски «русского» находятся во многих сочинениях «неоклассического» периода (прямые, например, в вокальных сочинениях на церковнославянские тексты «Верую», «Богородице Дево радуйся» и «Отче наш», в инструментальном «Русском скерцо»; скрытые, например, в «Симфонии псалмов»).

Сам Стравинский считал себя русским на протяжении всей жизни, даже с учетом поздней, вполне додекафонной, музыки. На склоне лет, во время поездки в 1962 в Россию композитор дал интервью одной из центральных газет, в котором, как бы отвечая на советские упреки в «формализме», настаивал: «Я всю жизнь по-русски говорю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней, это - в ее скрытой природе».

На протяжении всей жизни Стравинский постоянно перерабатывал собственные и чужие сочинения (авторские композиции, музыку православного обихода, народные песни). Наиболее часто обработка Стравинского представляла собой переложение своего же раннего сочинения для иного (по сравнению с первоначальным) инструмента либо состава инструментов (например, многие вокальные сочинения русского периода, написанные для голоса и фортепиано, позже аранжированы для голоса с ансамблем инструментов). В некоторых случаях обработке сопутствовала переделка оригинальной музыки (сокращение, варьирование, реже расширение, обновление гармонизации), в таких случаях говорят о «редакции» (две редакции фортепианного Танго - для скрипки и фортепиано и для скрипки и инструментального ансамбля).

Некоторые обработки Стравинского поражают парадоксальностью. Так, канонические православные тексты (на церковнославянском языке) в небольших хоровых сочинениях «Отче наш» (1926), «Символ веры» (1932) и «Богородице Дево, радуйся» (1932) композитор в 1949 заменил каноническими текстами католиков (на латыни; соответственно Pater noster, Credo и Ave Maria), без малейшего изменения (совершенно русской по стилю) музыки.

Сочинения других композиторов и народную музыку Стравинский обрабатывал в тех же весьма подвижных границах - от «простой» инструментовки (духовные песни Хуго Вольфа, мадригалы Карло Джезуальдо, русская народная песня «Дубинушка») до глубокого авторского переосмысления («Пульчинелла» на музыку Дж. Б. Перголези, «Поцелуй феи» на музыку П. И. Чайковского).

Член Шведской королевской музыкальной академии (1951).

На протяжении десятилетий Стравинский активно гастролировал как дирижер (преимущественно собственных сочинений) в Европе и США. Отличаясь чрезвычайной требовательностью к соблюдению предписанных им исполнительских нюансов (темпа, динамики, акцентов и др.), Стравинский придавал большое значение аудиозаписи. В 1950-х и начале 1960-х гг. под управлением автора на лейбле Columbia Records было записано подавляющее большинство его сочинений. Авторские аудиозаписи Стравинского-дирижера доныне служат важным ориентиром для всех новых исполнительских интерпретаций его музыки.

21 сентября 1962 года Стравинский прилетел в Москву, где дирижировал своими сочинениями (в октябре - в Ленинграде). Концерты Стравинского были восторженно встречены музыкальной общественностью страны.

Последнее завершенное произведение Стравинского - обработка для камерного оркестра двух духовных песен Хуго Вольфа (1968). Неоконченными остались оркестровки четырех прелюдий и фуг из Хорошо темперированного клавира И.С. Баха (1968-1970), также сохранились эскизы некоего сочинения для фортепиано.

Игорь Стравинский умер 6 апреля 1971 года в Нью-Йорке от сердечной недостаточности. Похоронен на кладбище Сан-Микеле в Венеции (Италия), на так называемой «русской» его части, недалеко от могилы Сергея Дягилева. В 1982 году рядом с могилой Стравинского была похоронена его вторая жена Вера де Боссе.

В его честь назван кратер на Меркурии и астероид 4382 Стравинский (4382 Stravinsky).

В память о нем выпущены монеты и почтовые марки, среди них - платиновая монета номиналом 150 рублей Банка России (1993).

В Лозанне есть аллея его имени, в Амстердаме улица Strawinskylaan, в Ломоносове - площадь. В его честь названы музыкальная школа в Ломоносове и музыкальная аудитория в Монтре. Также существует Фонтан Стравинского на одноименной площади перед Центром Жоржа Помпиду в Париже. В 2019 году в Киеве на Лютеранской улице открыли мемориальную доску с барельефом Стравинского.

Первый в мире музей Игоря Стравинского открыт на Украине в городе Устилуг на Волыни в 1990 году. На Волыни с 1994 года проводится Музыкальный фестиваль имени Игоря Стравинского.

«Весна священная» Стравинского записана на Золотой пластинке «Вояджера» (позолоченная информационная пластинка с записью звуковых и видеосигналов, упакованная в алюминиевый футляр. Имеет диаметр 12 дюймов (около 30 см) и покрыта золотом для предохранения от эрозии под действием космической пыли. Вместе с пластинкой в футляр упакованы фонографическая капсула и игла для воспроизведения записи. На футляре выгравирована схема, изображающая установку иглы на поверхности записи, скорость проигрывания и способ преобразования видеосигналов в изображение. Как и на пластинке «Пионера», воспроизведена карта пульсаров, на которой помечено положение Солнца в Галактике, а также схема излучения атома водорода для получения метрических и временны́х единиц).

Личная жизнь Игоря Стравинского:

В 1906 году Стравинский женился на Екатерине Гавриловне Носенко, своей кузине.

В 1907 году у них родился их первый сын, художник Федор Стравинский. В 1910 году родился второй сын, композитор и пианист Святослав Сулима-Стравинский.

В 1900-1910-е семья Стравинских жила подолгу в своем имении, которое находилось в Устилуге.

В 1938 году умерла его старшая дочь Людмила, а в 1939 году - жена (похоронена в Париже на кладбище Сент-Женевьев-де-Буа).

Игорь Стравинский и Екатерина Носенко

9 марта 1940 года Стравинский женился во второй раз - на актрисе и художнице Вере Судейкиной (урожденная Вера де Боссе; Vera de Bosset), с которой был знаком с 1922 года. До этого она дважды побывала замужем.

С Верой Судейкиной Стравинского познакомил Сергей Дягилев. Молодая художница делала эскизы к его постановкам. Она была женой художника Сергея Судейкина. Но брачные узы обоих не стали препятствием для страстного романа. Отношения зашли настолько далеко, что Вера развелась с мужем. Стравинский не смог оставить жену и детей, но и забыть Веру он не мог. Первая супруга Стравинского, узнав об измене мужа, решила познакомиться с Верой. Оказалось, у них много общего. После этого Стравинский посещал Веру в Париже, каждый раз возвращаясь к жене в Ниццу.

После заключения брака Вера неотступно следовала за мужем во всех его путешествиях, пережила его на одиннадцать лет и после его кончины писала ему полные нежности письма.

Вера де Боссе умерла в 1982 году, дожив до 93 лет.

Игорь Стравинский и Вера Судейкина

Ходили слухи о романе Игоря Стравинского с Коко Шанель. В 2009 году был снят художественный фильм «Коко Шанель и Игорь Стравинский» режиссера Яна Кунена по роману Криса Гринхала «Коко и Игорь», который закрывал Каннский кинофестиваль 2009 года. В фильме рассказывается об отношениях между Коко Шанель и Игорем Стравинским, которые возникли у них в Париже в 1920 году, том самом году, когда были созданы знаменитые духи Chanel No. 5.

Сюжет фильма: 1913 год, Париж. Коко Шанель присутствует на первом, скандальном представлении Игоря Стравинского «Весна священная». Ритмичный диссонанс в музыке и местами шокирующая хореография вызывают бурю негодования. Но Коко увлекает то, как Игорь взбудоражил зал. Семь лет спустя Коко и Игорь встречаются снова. Между кутюрье и композитором быстро возникают взаимные симпатия и влечение. Коко приглашает Игоря вместе с его женой и детьми пожить на ее вилле под Парижем. В наступившее лето между Коко и Игорем завязываются тайные отношения. Их растущая близость приносит пользу и их работе: Игорь начинает сочинять произведения в новом, более вольном стиле; а Коко вместе со своим парфюмером Эрнестом Бо создает Chanel No. 5.

Кадр из фильма "Коко Шанель и Игорь Стравинский"

Адреса Игоря Стравинского в Санкт-Петербурге:

5 июня 1882 - 1908 - дом М. Ф. Немковой - набережная Крюкова канала, 6 (сейчас 8), кв. 66.;
1909-1910 гг. - женившись, Игорь Стравинский снял квартиру на Английском проспекте в доме номер 26, кв. 15. Дом стал значимым для творчества композитора: именно здесь он написал музыку балета «Жар-птица».

Адрес Игоря Стравинского в Нью-Йорке:

В конце жизни занимал апартаменты в Essex House (JW Marriott Essex House) - Central Park South, 160.

Произведения Игоря Стравинского:

Музыкальный театр:

«Жар-птица» (фр. L'Oiseau de Feu, The Firebird), балет в двух сценах (1909-1910), либретто М. Фокина. Первое исполнение - 25 июня 1910, Париж, Гранд-опера, под управлением Габриэля Пьерне;
«Петрушка», русские потешные сцены в четырех картинах (1910-1911, редакция 1948), либретто А. Бенуа. Первое исполнение - 13 июня 1911, Париж, театр Шатле, под управлением Пьера Монте;
«Весна священная» (фр. Le Sacre du printemps, The Rite of Spring), сцены языческой Руси в двух картинах (1911-1913, редакция 1943), либретто Н. Рериха. Первое исполнение - 29 мая 1913, Париж, театр Елисейских полей, под управлением Пьера Монте;
«Соловей», опера в трех действиях (1908-1914), либретто автора и С. Митусова по одноименной сказке Андерсена. Первое исполнение - 26 мая 1914, Париж, Гранд-опера, под управлением Пьера Монте;
«Байка про лису, петуха, кота да барана» (фр. Renard: Histoire burlesque, 1915-1916). «Веселое представление с пением и музыкой». Либретто автора по русским сказкам из сборника А.Н. Афанасьева. Первое исполнение - 18 мая 1922, Париж, Гранд-опера;
«Свадебка» (фр. Les Noces), русские хореографические сцены для солистов, хора, четырех фортепиано и ударных (1921-1923), либретто автора по русским народным песням из сборника П. В. Киреевского. Первое исполнение - 13 июня 1923, Париж, под управлением Эрнеста Ансерме. Существует в нескольких авторских редакциях, на русском, французском и английском языках;
«История солдата» («Сказка о беглом солдате и черте, играемая, читаемая и танцуемая»; фр. L'Histoire du Soldat) для трех чтецов, танцовщицы и инструментального ансамбля (1918), либретто Ш. Ф. Рамю по русской народной сказке. Первое исполнение - 28 сентября 1918, Лозанна, под управлением Эрнеста Ансерме;
«Пульчинелла», балет с пением в одном действии по музыке Галло, Перголези и других композиторов (1919-1920), либретто Л. Мясина. Первое исполнение - 15 мая 1920, Париж, Гранд-опера, под управлением Эрнеста Ансерме;
«Мавра», комическая опера в одном действии (1922), либретто Б. Кохно по поэме А. С. Пушкина «Домик в Коломне». Первое исполнение - 3 июня 1922, Париж, Гранд-опера, под управлением Гжегожа Фительберга;
«Царь Эдип», опера-оратория для чтеца, голосов, мужского хора и оркестра (1926-1927), либретто Ж. Кокто по трагедии Софокла. Первое исполнение в концерте - 30 мая 1927, Париж, под управлением автора; первая постановка - 23 февраля 1928, Венская государственная опера;
«Аполлон Мусагет», балет в двух сценах (1928). Первое исполнение - 27 апреля 1928, Вашингтон, Библиотека Конгресса, под управлением Ханса Киндлера;
«Поцелуй феи», балет в четырех сценах по музыке Чайковского (1928), либретто автора на основе сказок Андерсена. Первое исполнение - 27 ноября 1928, Париж, Гранд-опера, под управлением автора;
«Персефона», мелодрама в трех сценах для чтеца, тенора, хора и оркестра (1933-1934), либретто А. Жида. Первое исполнение - 30 апреля 1934, Париж, Гранд-опера, под управлением автора;
«Игра в карты» (фр. Jeu de cartes), балет «в трех сдачах» (1936-1937), либретто автора. Первое исполнение - 27 апреля 1937, Нью-Йорк, Метрополитен-опера, хореография Джорджа Баланчина, под управлением автора;
«Балетные сцены» (фр. Scènes de ballet) (1944). Премьера 11 февраля 1948 на сцене Ковент-гардена (Лондон), в исполнении «Sadler's Wells Ballet»; хореография Ф. Аштона;
«Орфей», балет в трех сценах (1947). Первое исполнение - 28 апреля 1948, Нью-Йорк, Городской центр музыки и драмы, под управлением автора;
«Похождения повесы» (The Rake's Progress), опера в трех действиях с эпилогом (1947-1951), либретто Честера Коллмена и Уистена Одена по картинам Уильяма Хогарта. Первое исполнение - 11 сентября 1951, Венеция, театр Ла Фениче, под управлением автора;
«Агон», балет (1957). Первое исполнение - 17 июня 1957, Лос-Анджелес, под управлением Р. Крафта. Первая постановка - 1 декабря 1957, Нью-Йорк, Городской центр музыки и драмы, под управлением Р. Ирвинга;
«Потоп» (The Flood), библейская опера для солистов, актеров, чтеца и оркестра (1961-1962). Первое исполнение - 14 июня 1962 на телеканале CBS, под управлением автора и Р. Крафта. Первая сценическая постановка - 30 апреля 1963, Гамбургская государственная опера, под управлением Крафта.

Оркестровые произведения:

Симфония Es-dur, op. 1 (1905-1907). Первое исполнение: вторая и третья части - 14 (27) апреля 1907, Петербург, под управлением Гуго Варлиха, полностью - 22 января (4 февраля) 1908, там же, под управлением Ф. Блуменфельда;
Фантастическое скерцо, ор. 3 (1907-1908). Первое исполнение - 24 января (6 февраля) 1909, Петербург, под управлением А. И. Зилоти;
«Фейерверк» (Fireworks), ор. 4. Первое исполнение - 9 (22) января 1910, Петербург, под управлением Зилоти;
«Погребальная песнь», op. 5. Первое исполнение - 17 (30) января 1909, Петербург, под управлением Ф.Блуменфельда;
Сюита из балета «Жар-птица»: Первая редакция (1910). Первое исполнение - 23 октября (5 ноября) 1910, Петербург, под управлением Зилоти; Вторая редакция (1919). Первое исполнение - 12 апреля 1919, Женева, под управлением Эрнеста Ансерме; Третья редакция (1945). Первое исполнение - 24 октября 1945, Нью-Йорк, под управлением Яши Горенштейна;
«Песнь соловья». Симфоническая поэма на материале оперы «Соловей» (музыки 2-го и 3-го актов). Первое исполнение - 6 декабря 1919, Женева, под управлением Эрнеста Ансерме;
Сюита из балета «Пульчинелла» для камерного оркестра (1922; 2-я ред. 1949; 3-я ред. 1965). Первое исполнение - 22 декабря 1922, Бостон, дирижер Пьер Монте;
Концерт для фортепиано, духового оркестра, литавр и контрабасов (1923-1924). Первое исполнение - 22 мая 1924, Париж, автор и оркестр под управлением С. Кусевицкого;
Каприччио для фортепиано с оркестром (1928-1929). Первое исполнение - 6 декабря 1929, Париж, автор и оркестр под управлением Э. Ансерме;
Симфония псалмов (Symphony of psalms), хоровая симфония (1930). Первое исполнение - 13 декабря 1930, Брюссель, под управлением Э. Ансерме;
Концерт для скрипки с оркестром D-dur (1931). Первое исполнение - 23 октября 1931, Берлин, Самуил Душкин и оркестр под управлением автора;
Дивертисмент (из балета «Поцелуй феи»; 1934). Первое исполнение - 4 ноября 1934, Париж, под управлением автора;
«Дамбартон Оукс» (Dumbarton Oaks), концерт для камерного оркестра (1937-1938). Первое исполнение - 8 мая 1938, Вашингтон, под управлением Нади Буланже;
Симфония in C (Symphony in C) (1938-1940). Первое исполнение - 7 ноября 1940, Чикаго, под управлением автора;
«Концертные танцы» для камерного оркестра (1940-1942). Первое исполнение - 8 февраля 1942, Лос-Анджелес, под управлением автора;
«Цирковая полька для молодого слона» (Circus Polka, 1942). Первое исполнение - 13 января 1944, под управлением автора;
«4 пьесы в норвежском духе», также «Четыре норвежских впечатления» (Four Norwegian Moods, 1942). Первое исполнение - 13 января 1944, под управлением автора;
Ода ( Ode. Elegiacal chant, 1943). Первое исполнение - 8 октября 1943, Бостон, под управлением С. Кусевицкого;
Симфония в трех частях (Symphony in three movements), вариант перевода: Симфония в трех движениях (1945). Первое исполнение - 24 января 1946, Нью-Йорк, под управлением автора;
Скерцо в русском стиле (фр. Scherzo à la russe), вариант перевода: «Русское скерцо». Первая редакция (1944) инструментована для джаз-бенда П. Уайтмена, вторая (1945) - для обычного оркестра, третья (1954) - для двух фортепиано. Первое исполнение - 24 марта 1946, Сан-Франциско, с оркестром под управлением автора;
Базельский концерт (Basle Concerto) для струнных; альтернативное название: Струнный концерт в Ре (Concerto in D for String Orchestra) (1946). Первое исполнение - 27 января 1947, Базель, под управлением Пауля Захера;
Поздравительная прелюдия (Greeting Prelude), к 80-летию Пьера Монте (1955);
«Движения» (Movements) для фортепиано с оркестром (1958-1959). Первое исполнение - 10 января 1960, Нью-Йорк, М. Вебер и оркестр под управлением автора;
Вариации памяти Олдоса Хаксли (Variations Aldous Huxley in memoriam, 1963-1964). Первое исполнение - 17 апреля 1965, Чикаго, под управлением Роберта Крафта;
Канон на тему русской народной песни (Canon on a Popular Russian Tune; 1965)

Хоровые произведения:

Звездоликий. Кантата на стихи К. Бальмонта для голосов и оркестра (1912). Первое исполнение - 19 апреля 1939, Брюссель, под управлением Ф. Андре;
«Подблюдные. Четыре русские крестьянские песни для женского хора» (Four Russian Peasant Songs (1917); редакция 1954 - для хора и четырех валторн): У Спаса в Чигисах; Овсень; Щука; Пузище;
«Отче наш» для хора без сопровождения (1926); редакция 1949 г. под названием Pater noster, с латинским текстом;
«Символ веры» для хора без сопровождения (1932); редакция 1949 г. под названием Credo, с латинским текстом;
«Богородице Дево радуйся» для хора без сопровождения (1932); редакция 1949 г. под названием Ave Maria, с латинским текстом;
«Вавилон» (Babel). Кантата для чтеца, мужского хора и оркестра (1944);
Месса, для смешанного хора и ансамбля духовых (1948). Премьера: 27 октября 1948, Милан. Исполнители: хор и оркестр театра «Ла Скала» под управлением Э. Ансерме;
Кантата на стихи неизвестных английских поэтов XV-XVI веков. (Cantata on Anonymous 15th and 16th Century English Lyrics), для голосов, женского хора и инструментального ансамбля (1952);
Духовная песня в честь святого Марка (лат. Canticum Sacrum ad honorem Sancti Marci Nominis) для тенора и баритона соло, хора и оркестра;
«Плач пророка Иеремии» (лат. Threni, id est lamentationes Jeremiae Prophetae) для солистов, хора и оркестра (1957-1958);
Кантата «Проповедь, притча и молитва» (Cantata: a Sermon, a Narrative, and a Prayer), для альта и тенора соло, чтеца, хора и оркестра;
Гимн на стихи Т. С. Элиота (Anthem: "The dove descending breaks the air"), для хора без сопровождения (1962);
Интроит памяти Т. С. Элиота (Introitus. T. S. Eliot in memoriam), для мужского хора и камерного ансамбля (1965, текст - фрагмент стандартного латинского реквиема);
Заупокойные песнопения (Requiem Canticles), для солистов, хора и камерного оркестра (1965-1966)

Вокальные произведения:

«Туча», романс на стихи Пушкина для голоса и фортепиано (1902);
«Как грибы на войну сбирались» для баса и фортепиано (1904);
«Фавн и пастушка». Три песни для меццо-сопрано с оркестром, ор. 2 (1906): Пастушка; Фавн; Река;
Из воспоминаний юношеских годов. Три песенки (для голоса и фп., 1906; для сопрано и ансамбля - редакция 1930 г.): Сороченька; Ворона; Чичер-Ячер;
Два романса для меццо-сопрано и фортепиано, ор. 6 (1908);
Пастораль. Песня без слов (фр. Pastorale: Chant sans paroles), для сопрано и фортепиано (1907);
Два стихотворения П.Верлена для баритона и фортепиано (1910; редакция 1951 г. - для мужского голоса и ансамбля): Белая луна (La lune blanche); Мудрость (Sagesse);
Два стихотворения К.Бальмонта для сопрано или тенора и фортепиано (1911; редакция 1954 - для сопрано и инструментального ансамбля): Незабудочка-цветочек; Голубь;
Три стихотворения из японской лирики для сопрано и фортепиано (1912-1913): Акахито (Akahito); Масацумэ (Mazatsumi); Цараюки (Tsaraiuki);
«Прибаутки» (фр. Chansons plaisantes, Pleasant Songs) для мужского голоса и фортепиано (1914, позднейшая редакция - для голоса и восьми струнных инструментов). На русские народные тексты из собрания сказок А.Афанасьева: Корнило; Наташка; Полковник; Старец и заяц;
«Кошачьи колыбельные» (фр. Berceuses du chat) для контральто и трех кларнетов (1915): Спи, кот; Кот на печи; Бай, бай; У кота, кота;
«Детские песенки» (Три истории для детей; фр. Trois histoires pour enfants) для голоса и фортепиано (1917): Тилим-бом; Гуси-лебеди; Медведь. Сказка с песенкой;
Колыбельная для голоса и фортепиано (1917);
Четыре русские песни (фр. Quatre chants russes) для голоса и фортепиано (1919): Селезень; Запевная; Сидит воробей; Сектантская;
«Маленький гармонический Рамюзаний», посвящение Ш. Рамюзу (1937);
Посвящение Наде Буланже для двух теноров (1947);
Три песни из Вильяма Шекспира, для меццо-сопрано, флейты, кларнета и альта (1953): Musick to heare; Full fadom five; Spring (When Dasies pied);
Памяти Дилана Томаса. Траурные каноны и песнь для тенора, струнного квартета и четырех тромбонов (1954);
Dirge-Canons (Prelude);
Do not go gentle into that good night;
Dirge-Canons (Postlude);
Четыре песни для меццо-сопрано, флейты, арфы и гитары (1954): Селезень (аранжировка № 1 из сб. "Четыре русские песни", 1919); Сектантская (аранжировка № 4 из сб. "Четыре русские песни", 1919); Гуси-лебеди (аранжировка № 2 из сб. "Детские песенки", 1917); Тилим-бом (аранжировка № 1 из сб. "Детские песенки", 1917);
Авраам и Исаак. Баллада для баритона и оркестра (1962-1963);
Элегия Дж. Ф. Кеннеди (Elegy for J.F.K.), для баритона или меццо-сопрано и трех кларнетов (1964);
Сова и кошечка (The Owl and the Pussy-cat, фр. Le Hibou et le chat), для голоса и фортепиано (1966), на стихи Эдварда Лира

Камерные произведения:

Три пьесы для струнного квартета (1914) (пьесы не имеют заголовков);
Рэгтайм (Rag-Time, 1917-1918). Первое исполнение - 27 апреля 1920, Лондон, под управлением Артура Блисса;
Три пьесы для кларнета соло (1918);
Дуэт для двух фаготов (1918);
Сюита из «Истории солдата» для скрипки, кларнета и фортепиано (1918-1919);
Концертино для струнного квартета (1920);
Симфонии духовых инструментов (Symphonies of Wind Instruments), памяти Дебюсси; вариант перевода: Симфония для духовых (1920, редакция 1947). Первое исполнение - 10 июня 1921, Лондон, под управлением С.Кусевицкого;
Октет для духовых (1924);
Концертный дуэт (фр. Duo concertant) для скрипки и фортепиано (1931-1932);
Прелюдия для джаз-банда (Preludium for Jazz Band, 1936-1937; редакция 1953). Первое исполнение - 18 октября 1953, Лос-Анджелес, под управлением Крафта;
Элегия для альта (1944);
Эбони-концерт (Ebony Concerto; вариант перевода: Черный концерт), для кларнета и джаз-оркестра (1945). Первое исполнение - 25 марта 1946, Нью-Йорк, Вуди Герман и ансамбль под управлением Уолтера Хендла;
Септет для струнных, духовых и фортепиано (1952-1953);
Эпитафия к надгробию Макса Эгона (Epitaphium for the Tombstone of Prince Max Egon zu Fürstenberg), для флейты, кларнета и арфы (1959);
Двойной канон памяти Рауля Дюфи (Double Canon "Raoul Dufy in memoriam") для струнного квартета (1959);
Колыбельная для двух блокфлейт (1960);
Фанфары для двух труб (Fanfare for Two Trumpets, 1964)

Произведения для фортепиано:

Скерцо (1902);
Соната f-moll (1902);
Этюды, ор. 7 (1908);
Вальс цветов (Цветочный вальс) для фп. в четыре руки (1914);
Три легкие пьесы в четыре руки (1914-1915): Марш; Вальс; Полька;
Детский вальс (1916);
Мадрид. Этюд для пианолы (1917);
Пять легких пьес в четыре руки (1917): Andante; Испанская; Балалайка; Неаполитанская; Галоп;
Рэгтайм (1918);
Piano-Rag-Music (1919);
Концертино в четыре руки (1920);
Пять пальцев. Восемь легчайших мелодий на 5 нот (1921): Andantino; Allegro; Allegretto; Larghetto; Moderato; Lento; Vivo; Pesante;
Соната для фортепиано (1924): I. четверть = 112 II. Adagietto III. четверть = 112;
Серенада in A (1925): I. Hymne II. Romanze III. Rondoletto IV. Cadenza finale;
Концерт для двух фортепиано (1932-1935): I. Con moto II. Notturno. Adagietto III. Quattro variazioni IV. Prelude e Fuga;
Танго (1940);
Соната для двух фортепиано (1943-1944): I. Moderato II. Theme with variations III. Allegretto

Переложения, обработки:

На протяжении всей жизни Стравинский обрабатывал и перерабатывал собственные и (реже) чужие сочинения. Наиболее часто обработка представляла собой переложение раннего сочинения для иного (по сравнению с первоначальным) инструмента либо состава инструментов. В некоторых случаях обработке сопутствовала переделка оригинальной музыки (расширение, сокращение, варьирование и т.п.), в таких случаях говорят о «редакции». Помимо собственных Стравинский обрабатывал сочинения других композиторов в тех же весьма подвижных границах - от «простой» инструментовки (духовные песни Х. Вольфа) до полномасштабного авторского переосмысления («Пульчинелла» на музыку Дж. Б. Перголези).

«Дубинушка» (Song of the Volga Boatmen) для духовых и ударных инструментов. Переложение русской народной песни (1917);
Гробница Клода Дебюсси (фр. Tombeau de Claude Debussy). Траурный хорал для фортепиано (фортепианное переложение финала сочинения «Симфонии духовых») (1920);
Три фрагмента из балета «Петрушка», для фортепиано (1921);
Сюита № 2 для малого оркестра (1921). Оркестровка ранних фортепианных сочинений. Первое исполнение - 25 ноября 1925, Франкфурт, под управлением Германа Шерхена: Марш; Вальс; Полька; Галоп;
Пастораль, для сопрано, гобоя, рожка, кларнета и фагота (1923). Инструментовка Пасторали для сопрано и фп. (1907);
Сюита № 1 для малого оркестра (1925). Оркестровка ранних фортепианных сочинений. Первое исполнение - 2 марта 1926, Харлем, под управлением автора: Andante; Неаполитанская; Испанская; Балалайка;
Четыре этюда для оркестра и фортепиано (1928-1929). Инструментовка Трех пьес для струнного квартета (1914, без названий) и этюда «Мадрид» для пианолы (1917). Первое исполнение - 7 ноября 1930, Берлин, под управлением Э. Ансерме: Danse / Танец; Eccentrique / Эксцентрик; Cantique / Песнопение; Madrid / Мадрид;
Итальянская сюита для виолончели и фортепиано. Переложение музыки балета «Пульчинелла» (1932);
Итальянская сюита для скрипки и фортепиано. Переложение музыки балета «Пульчинелла» (1933);
Пастораль, для скрипки и фп. (1933). Инструментовка и расширенная редакция Пасторали для сопрано и фп. (1907);
Пастораль, для скрипки, гобоя, рожка, кларнета и фагота (1933). Инструментовка и расширенная редакция Пасторали для сопрано и фп. (1907);
Синяя птица (Bluebird). Па-де-де из балета «Спящая красавица» П. И. Чайковского, для камерного оркестра (1941);
Танго для камерного оркестра (1941). Инструментовка Танго для фортепиано (1940). Первое исполнение - Бенни Гудмен, июль 1941;
Концертино для двенадцати инструментов (1952). Переложение Концертино для струнного квартета (1920). Первое исполнение - 11 ноября 1952, Лос-Анджелес, под управлением автора;
Танго для 19 инструментов (1953). Инструментовка Танго для фортепиано (1940). Первое исполнение - 19 октября 1953, Лос-Анджелес, под управлением Р.Крафта;
Вариации на хорал "Vom Himmel hoch", для хора с оркестром (1956). Аранжировка музыки И.-С. Баха (BWV 769);
«Памятник Джезуальдо к 400-летию» (лат. Monumentum pro Gesualdo di Venosa ad CD Annum: three madrigals recomposed for instruments), оркестровка трех мадригалов Джезуальдо (1960). Первое исполнение - 27 сентября 1960, Венеция, под управлением автора: Asciugate i begli occhi (мадригал 14 из Пятой книги); Ma tu, cagion (мадригал 18 из Пятой книги); Beltà poi che t'assenti (мадригал 2 из Шестой книги);
Звездно-полосатый флаг (The Star Spangled Banner). Аранжировка американского гимна для оркестра (1945);
Восемь инструментальных миниатюр для пятнадцати инструментов (1962). Инструментовка фортепианной сюиты «Пять пальцев» (1921). Первое исполнение - 29 апреля 1962, Торонто, под управлением автора. Две духовные песни Х. Вольфа, для сопрано и инструментального ансамбля (1968): Herr, was trägt der Boden hier; Wunden trägst du...

Утерянные и неопубликованные сочинения:

Тарантелла, для фортепиано (1898);
Кантата на 60-летие Римского-Корсакова, для хора и фортепиано (1904);
«Кондуктор и тарантул» для голоса и фортепиано (1906);
Марш для двенадцати инструментов (1915, не опубликован)

последнее обновление информации: 13.08.2022