Пабло Пикассо - биография, новости, личная жизнь

Возраст: 144 (со дня рождения)

Возраст смерти: 91 год

Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо (в русском языке принят также вариант с ударением на французский манер Пикассо, исп. Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad Mártir Patricio Ruiz y Picasso). Родился 25 октября 1881 года в Малаге (Испания) - умер 8 апреля 1973 года в Мужене (Франция). Испанский художник, скульптор, график, театральный художник, керамист и дизайнер.

Основоположник кубизма (совместно с Жоржем Браком и Хуаном Грисом), в котором трёхмерное тело в оригинальной манере рисовалось как ряд совмещённых воедино плоскостей. Пикассо много работал как график, скульптор, керамист и т. д. Вызвал к жизни массу подражателей и оказал исключительное влияние на развитие изобразительного искусства в XX веке. Согласно оценке Музея современного искусства (Нью-Йорк), Пикассо за свою жизнь создал около 20 тысяч работ.

По экспертным оценкам, Пикассо - самый «дорогой» художник в мире: в 2008 году объём только официальных продаж его работ составил 262 млн долларов.

4 мая 2010 года картина Пикассо «Обнажённая, зелёные листья и бюст», проданная на аукционе «Кристис» за 106 482 000 долларов, стала самым дорогим произведением искусства в мире на тот момент.

11 мая 2015 года на аукционе «Кристис» был установлен новый абсолютный рекорд для произведений искусства, продаваемых с открытых торгов - картина Пабло Пикассо «Алжирские женщины (версия О)» ушла за рекордные 179 365 000 долларов.

По результатам опроса 1,4 млн читателей, проведённого газетой The Times в 2009 году, Пикассо - лучший художник среди живших за последние 100 лет. Также его полотна занимают первое место по «популярности» среди похитителей.

Согласно испанской традиции Пикассо получил две фамилии по первым фамилиям родителей: отца - Руис и матери - Пикассо. Полное имя, которое будущий художник получил при крещении - Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано (Криспиниано) де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо.

Фамилия Пикассо по матери, под которой художник получил известность, имеет итальянское происхождение: прадед матери Пикассо Томмасо переехал в Испанию в начале XIX века из местечка Сори в провинции Генуя. В доме на малагской площади Мерсед, где родился Пикассо, ныне размещается дом-музей художника и фонд, носящий его имя.

Пикассо начал рисовать с самого детства, первые уроки художественного мастерства он получил у своего отца - учителя рисования Хосе Руиса Бласко, и вскоре сильно в этом преуспел. В 8 лет он написал свою первую серьёзную картину маслом, «Пикадор», с которой он не расставался в течение всей жизни.

В 1891 году дон Хосе получил должность преподавателя рисования в Ла-Корунье, и юный Пабло вместе с семьёй переехал на север Испании, где он обучался в местной школе искусств (1894-1895).

Впоследствии семья перебралась в Барселону, и в 1895 году Пикассо поступил в школу изящных искусств Ла-Лонха. Пабло исполнилось только четырнадцать, поэтому он был слишком молод для поступления в Ла-Лонху. Тем не менее, по настоянию отца он был допущен к сдаче вступительных экзаменов на конкурсной основе. Пикассо с блеском сдал все экзамены и поступил в Ла-Лонху. Сначала он подписывался своим именем по отцу Ruiz Blasco, но затем выбрал фамилию матери - Picasso.

В начале октября 1897 года Пикассо уехал в Мадрид, где поступил в Королевскую академию изящных искусств Сан-Фернандо. Своё пребывание в Мадриде Пикассо использовал в основном для подробного изучения коллекции Музея Прадо, а не для учёбы в академии с её классическими традициями, где Пикассо было тесно и скучно.

В Барселону Пикассо вернулся в июне 1898 года, там он вступил в художественное общество Els Quatre Gats, по названию богемного кафе с круглыми столами. В этом кафе в 1900 году прошли его две первых персональных выставки. В Барселоне он сблизился со своими будущими друзьями Карлосом Касахемасом и Хайме Сабартесом, которые впоследствии стали персонажами его полотен.

В детстве его мать укладывала своего сына в кровать и обязательно читала ему сказки, которые сама выдумывала, используя эмоции от прошедшего дня. Потом сам Пабло говорил, что именно эти сказки и побудили в нём желание творить, используя те же самые эмоции одного дня.

В 1900 году Пикассо со своим другом, художником Касахемасом уехал в Париж, где посетил Всемирную выставку. Именно там Пабло Пикассо познакомился с творчеством импрессионистов. Его жизнь в это время была сопряжена со многими трудностями, а самоубийство Карлоса Касахемаса глубоко подействовало на молодого Пикассо.

В этих обстоятельствах в начале 1902 года Пикассо стал писать в стиле, по которому впоследствии период творчества художника в Барселоне в 1903-1904 годах был назван «голубым». В работах этого времени ярко выражены темы старости и смерти, характерны образы нищеты, меланхолии и печали («Женщина с пучком волос», 1903; Пикассо считал: «кто грустен, тот искренен»); движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901; «Женщина с шиньоном», 1901; «Свидание», 1902; «Нищий старик с мальчиком», 1903; «Трагедия», 1903). В палитре мастера преобладают голубые оттенки. Отображая человеческие страдания, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Их бледные, отчасти удлинённые тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко.

Произведение переходного периода - от «голубого» к «розовому» - «Девочка на шаре» (1905, Музей изобразительных искусств, Москва).

В 1904 году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар: начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка. Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты - клоуны, танцовщики и акробаты; картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробата с обезьяной», 1905).

От экспериментов с цветом и передачи настроения Пикассо обратился к анализу формы: сознательная деформация и деструкция натуры («Авиньонские девицы», 1907), односторонняя интерпретация системы Сезанна и увлечение африканской скульптурой приводят его к абсолютно новому жанру. Вместе с Жоржем Браком, которого встретил в 1907 году, Пикассо становится родоначальником кубизма - художественного направления, отвергавшего традиции натурализма и изобразительно-познавательную функцию искусства.

Пикассо уделяет особое внимание превращению форм в геометрические блоки («Фабрика в Орта-де-Эбро», 1909), увеличивает и ломает объёмы («Портрет Фернанды Оливье», 1909), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твёрдым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера», 1910).

Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, и хотя первоначальная цель кубизма состояла в том, чтобы более убедительно, чем с помощью традиционных приёмов, воспроизвести ощущение пространства и тяжести масс, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам.

Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы: обои, куски газет, спичечные коробки. Начинают преобладать натюрморты, преимущественно с музыкальными инструментами, трубками и коробками из-под табака, нотами, бутылками с вином и т. п. - атрибутами, присущими образу жизни художественной богемы начала века. В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имён возлюбленных, названий улиц, кабачков.

Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передаёт в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910-1913 («Портрет девушки», 1914).

В «синтетический» период появляется также стремление к гармонизации колорита, уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал. Собственно кубистический период в творчестве Пикассо заканчивается вскоре после начала Первой мировой войны, разделившей его с Жоржем Браком.

Хотя в своих значительных произведениях художник использует некоторые кубистические приёмы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921).

В сентябре 1916 года писатель-сценарист Жан Кокто и композитор Эрик Сати уговаривают Пикассо соучаствовать в постановке новаторского «сюрреалистического» балета «Парад» для «Русского балета» Сергея Дягилева. Пикассо не на шутку увлекается идеей этого балета, втягивается в работу, и в содружестве с Сати полностью переделывает и сценарий, и сценографию.

Месяцем позднее он уезжает вместе со всей труппой Русских балетов на два месяца в Рим, где выполняет декорации, костюмы, знакомится с балетмейстером «Парада» Леонидом Мясиным и многими балетными артистами русской труппы.

Вступительный манифест к спектаклю «Парад», «более правдивому, чем сама правда», весной 1917 года написал Гийом Аполлинер, заранее объявив его провозвестником «Нового духа» в искусстве.

Дягилев сознательно делал ставку на большую провокацию и готовил её всеми доступными средствами. Произошло именно так, как он намечал.

Грандиозный скандал 18 мая 1917 года, состоявшийся на премьере (и единственном представлении) этого балета в театре Шатле, немало способствовал подъёму популярности Пикассо в широких кругах парижского бомонда. Публика в зале едва не сорвала спектакль криками «Русские боши, долой русских, Сати и Пикассо боши!». Дело дошло даже до потасовки.

Печать неистовствовала, критики объявили «Русский балет» едва ли не предателями, деморализующими французское общество в тылу во время тяжёлой и неудачной войны. Вот только одна из показательных по своему тону рецензий, вышедших на следующий день после премьеры «Парада». Между прочим, автором этой статьи был вовсе не какой-то маргинальный критик, а вполне респектабельный Лео Польдес, владелец «Клуба дю Фобур».

Дягилев остался чрезвычайно доволен произведённым эффектом. Сотрудничество Пикассо с Русскими балетами активно продолжилось и после «Парада» (декорации и костюмы для «Треуголки» Мануэля де Фальи, 1919). Новая форма деятельности, яркие сценические образы и крупные объекты воскрешают в нём интерес к декоративизму и театральности сюжетов.

Во время римской подготовки «Парада» Пикассо познакомился с балериной Ольгой Хохловой, которая стала его первой женой. 12 февраля 1918 года они заключают брак в русской церкви в Париже, свидетелями на их свадьбе были Жан Кокто, Макс Жакоб и Гийом Аполлинер. У них рождается сын Пауло (4 февраля 1921 года).

Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоенного Парижа, женитьба Пикассо на Ольге Хохловой, успех художника в обществе - всё это отчасти объясняет возврат к фигуративности, временный и притом относительный, поскольку Пикассо продолжает писать в то время ярко выраженные кубистические натюрморты («Мандолина и гитара», 1924).

В 1925 году начинается один из самых сложных и неровных периодов в творчестве Пикассо. После эпикурейского изящества 1920-х («Танец») Пикассо создаёт атмосферу конвульсий и истерии, ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить отчасти влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, стихотворениях, написанных в 1935, и театральной пьесе, созданной во время войны.

На протяжении нескольких лет воображение Пикассо, казалось, могло создавать только монстров, неких разорванных на части существ («Сидящая купальщица», 1929), орущих («Женщина в кресле», 1929), раздутых до абсурда и бесформенных («Купальщица», рисунок, 1927) или воплощающих метаморфические и агрессивно-эротические образы («Фигуры на берегу моря», 1931).

Несмотря на несколько более спокойных произведений, которые являются в живописном плане наиболее значительными, стилистически это был весьма переменчивый период («Девушка перед зеркалом», 1932). Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, потому что сам Пикассо плохо ладил со своей собственной женой или потому, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, с которой он познакомился в марте 1932 года, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932). Она стала также моделью для нескольких безмятежных и величественных скульптурных бюстов, исполненных в 1932 году в замке Буажелу, который он приобрёл в 1930 году.

В 1930-1934 годах именно в скульптуре выражается вся жизненная сила Пикассо: бюсты и женские ню, в которых иногда заметно влияние Матисса («Лежащая женщина», 1932), животные, маленькие фигуры в духе сюрреализма («Мужчина с букетом», 1934) и особенно металлические конструкции, имеющие полуабстрактные, полуреальные формы и исполненные порой из грубых материалов (он создаёт их с помощью своего друга, испанского скульптора Хулио Гонсалеса - «Конструкция», 1931).

Наряду с этими странными и острыми формами, гравюры Пикассо к «Метаморфозам» Овидия (1930) свидетельствуют о постоянстве его классического вдохновения.

В 1937 году симпатии Пикассо - на стороне республиканцев, борющихся в Испании (серия акватинт «Мечты и ложь генерала Франко», отпечатанная в виде открыток, разбрасывалась с самолётов над позициями франкистов).

В апреле 1937 года немецкая и итальянская авиация бомбила и разрушила небольшой городок басков Герникa - культурный и политический центр жизни этого свободолюбивого народа. За два месяца Пикассо создаёт свою «Гернику» - громадное полотно, которое было выставлено в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже.

Светлые и тёмные монохромные краски словно передают ощущение от всполохов пожара. В центре композиции, наподобие фриза, в комбинаторике кубистическо-сюрреалистических элементов показаны павший воин, подбегающая к нему женщина и раненая лошадь. Основной теме сопутствуют изображения плачущей женщины с мёртвым ребёнком и быком за её спиной и женской фигуры в пламени с воздетыми вверх руками. В темноту маленькой площади, над которой висит фонарь, протягивается длинная рука со светильником как символом надежды.

Ужас, охвативший Пикассо перед угрозой варварства, нависшего над Европой, его страх перед войной и фашизмом, художник не выразил прямо, но придал своим картинам тревожную тональность и мрачность («Рыбная ловля ночью на Антибах», 1939), сарказм, горечь, которые не коснулись только лишь детских портретов («Майя и её кукла», 1938). И вновь женщины стали главными жертвами этого общего мрачного настроения. Среди них - Дора Маар, с которой художник сблизился в 1936 году и красивое лицо которой он деформировал и искажал гримасами («Плачущая женщина», 1937).

Никогда ещё женоненавистничество художника не выражалось с такой ожесточённостью; увенчанные нелепыми шляпами, лица, изображённые в фас и в профиль, дикие, раздробленные, рассечённые потом тела, раздутые до чудовищных размеров, а их части соединены в бурлескные формы («Утренняя серенада», 1942).

Немецкая оккупация не могла испугать Пикассо: он оставался в Париже с 1940 по 1944 год. Она также не ослабила его деятельности: портреты, скульптуры («Человек с агнцем»), скудные натюрморты, которые порой с глубоким трагизмом выражают всю безысходность эпохи («Натюрморт с бычьим черепом», 1942).

В 1944 году Пикассо вступает в Коммунистическую партию Франции. Гуманистические воззрения Пикассо проявляются в его работах. В 1950 году он рисует знаменитого «Голубя мира».

Послевоенное творчество Пикассо можно назвать счастливым. Он сближается с Франсуазой Жило, с которой познакомился в 1945 году и которая подарит ему двоих детей, дав таким образом темы его многочисленных очаровательных семейных картин. Он уезжает из Парижа на юг Франции, открывает для себя радость солнца, пляжа, моря.

Произведения, созданные в 1945-1955 годах, очень средиземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят своё выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 года в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо («Радость жизни»).

Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе. Увлечённый проблемами ремесла и ручного труда, он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных («Кентавр», 1958), иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия.

Особенно важны в тот период скульптуры («Беременная женщина», 1950). Некоторые из них («Коза», 1950; «Обезьяна с малышом», 1952) сделаны из случайных материалов (брюхо козы выполнено из старой корзины) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа. В 1953 году Франсуаза Жило и Пикассо расходятся. Это было для художника началом тяжёлого морального кризиса, который эхом отдаётся в замечательной серии рисунков, исполненных между концом 1953 и концом зимы 1954 года, в них Пикассо по-своему, в озадачивающей и ироничной манере, выразил горечь старости и свой скептицизм по отношению к самой живописи.

В Валлорисе художник начал в 1954 году серию портретных изображений «Сильветт». В этом же году Пикассо встречается с Жаклин Рок, которая в 1958 году станет его женой и вдохновит на серию статуарных портретов.

В 1956 году на французские экраны вышла документальная лента о художнике «Таинство Пикассо».

Произведения последних пятнадцати лет творчества художника очень разнообразны и неравны по качеству («Мастерская в Каннах», 1956). Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения («Портрет художника, в подражание Эль Греко», 1950) и элементы тавромахии (Пикассо был страстным поклонником популярной на юге Франции корриды), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959-1968).

Британский актёр Брайан Блессид (Brian Blessed) рассказывал изданию The Telegraph о том, как в возрасте 12 лет встретился со всемирно известным художником Пабло Пикассо. Встреча произошла во время Всемирного конгресса мира в британском Шеффилде в 1950 году. Юный Блессид подошёл к художнику и попросил нарисовать ему что-нибудь, если тот «действительно Пикассо». Испанец сделал на листе бумаги набросок в виде голубя мира, однако молодой англичанин не оценил рисунок и заявил: «Это показывает, что вы не Пикассо, это не голубь».

По словам Блессида, Пикассо ответил ему, что впервые слышит такую критику. Будущий актёр бросил листок с рисунком на пол, «выбросив около 50 миллионов фунтов» (примерно 75 миллионов долларов). Позже листок подобрали, и в настоящее время он хранится в галерее Шеффилда как символ Всемирного конгресса мира. Этот случай сам Блессид, ставший известным благодаря фильму 1980 года «Флэш Гордон», назвал «суровым финансовым уроком».

Пикассо умер 8 апреля 1973 года в Мужене (Франция) на своей вилле Нотр-Дам-де-Ви. Похоронен возле принадлежавшего ему замка Вовенарт.

В 2006 году владелец казино Стив Винн, купивший в 1990-х годах за 48,4 миллиона долларов картину Пикассо «Сон», согласился продать этот шедевр кубизма за 139 миллионов американскому коллекционеру Стивену Коэну. Сделка не состоялась, так как Винн, страдающий заболеванием глаз и плохо видящий, неловко повернулся и проткнул холст локтем. Он сам назвал случившееся «самым неуклюжим и глупым жестом в мире». После реставрации картина была выставлена на аукцион «Кристис», где 27 марта 2013 года её всё же приобрёл Коэн уже за 155 миллионов долларов. Согласно сообщению агентства Bloomberg, на тот момент это была максимальная сумма, выплаченная за произведение искусства американским коллекционером.

Весной 2015 года картина Пикассо «Алжирские женщины» (фр. Les Femmes d'Algers) была продана в Нью-Йорке за 179 млн долларов, став самой дорогой картиной, когда-либо проданной с аукциона.

Наследие и всемирно-историческое значение Пабло Пикассо

Пабло Пикассо - фигура, чьё влияние на мировое искусство невозможно переоценить. Его имя стало символом творческой свободы, разрушения границ и вечного поиска нового. Он не просто писал картины - он изменил само понятие искусства, заставив человечество по-другому смотреть на форму, цвет и смысл.

Пикассо оказал громадное влияние на художников многих стран, став крупнейшим художником XX века.

Революционер в искусстве

Пикассо разрушил классические представления о живописи. Вместе с Жоржем Браком он создал кубизм - одно из важнейших направлений XX века, которое перевернуло восприятие формы и пространства. Художники больше не стремились копировать реальность, а пытались показать, как её видит человеческий разум.

Эта революция изменила не только живопись - она повлияла на архитектуру, дизайн, моду, фотографию и даже кинематограф. Кубизм стал философией нового века, в котором реальность перестала быть однозначной.

«Герника» - символ борьбы против войны

Одним из самых сильных произведений XX века стала «Герника» - грандиозное полотно, написанное в ответ на бомбардировку одноимённого испанского города в 1937 году.

Это не просто картина - это крик отчаяния, воплощённая боль человечества. Пикассо не показывал конкретных лиц или событий, он создал универсальный образ страдания. С тех пор «Герника» стала антивоенным символом, который до сих пор цитируют художники, политики и активисты по всему миру.

Мастер, который объединил прошлое и будущее

Пикассо был новатором, но при этом глубоко почитал старых мастеров. Он изучал Веласкеса, Гойю, Эль Греко, Мане, Сезанна - и на их основе создавал совершенно новые формы. Его искусство стало мостом между классикой и авангардом.

Он показал, что художник может быть одновременно учеником прошлого и создателем будущего. Благодаря ему традиция перестала быть оковами - она превратилась в источник бесконечных возможностей.

Художник, который жил вне рамок

Пикассо никогда не ограничивался одной манерой. Он прошёл через десятки стилей - от академического реализма до почти детской простоты. Его творчество невозможно классифицировать, потому что оно - живое, постоянно меняющееся.

Он мог за день создавать десятки рисунков, а потом месяцами работать над одной композицией. Пикассо превратил сам процесс творчества в способ существования: для него искусство было дыханием, без которого невозможно жить.

Наследие в цифрах и смыслах

За свою жизнь Пикассо создал более пятидесяти тысяч произведений - картин, скульптур, керамических изделий, гравюр, рисунков и декораций. Он стал самым плодовитым художником в истории.

Но его истинное наследие не в количестве. Главное - это свобода, которую он подарил искусству. Пикассо доказал, что художник имеет право выражать внутренний мир, а не только изображать внешнюю реальность. Он освободил живопись от подражания природе и сделал её самостоятельным языком.

Влияние на последующие поколения

Без Пикассо не было бы современного искусства в его нынешнем виде. На его открытия опирались все последующие направления - сюрреализм, экспрессионизм, поп-арт, абстракционизм.

Энди Уорхол, Джексон Поллок, Фрэнсис Бэкон, Сальвадор Дали - все они в разной степени испытали влияние Пикассо. Его идеи о свободе формы и чувственном восприятии мира стали фундаментом для художников второй половины XX века.

Человек, ставший эпохой

Пикассо прожил почти весь XX век - от эпохи ламп и повозок до космической эры. Он был свидетелем двух мировых войн, революций, смены мировоззрений и художественных течений.

Но при всём этом он оставался современным - в любой момент времени. Его искусство не стареет, потому что оно говорит не о времени, а о человеке, о вечных чувствах, страхах и поисках.

Пикассо стал символом энергии жизни, страсти к творчеству и веры в то, что искусство способно менять мир.

Пикассо и современный мир

Сегодня его картины находятся в крупнейших музеях планеты - от Парижа до Нью-Йорка. Его имя стало культурным кодом, знаком качества, мерилом таланта.

Каждое новое поколение открывает его заново. Молодые художники видят в нём пример бесстрашия, психологи изучают его как феномен личности, а искусствоведы - как универсального создателя, соединившего разум и интуицию.

Он стал частью повседневной культуры: его имя встречается в песнях, фильмах, брендах, а образы его работ вдохновляют дизайнеров и архитекторов.

Живое наследие

Пикассо оставил миру не только картины, но и особое чувство - ощущение бесконечных возможностей человеческого разума. Он доказал, что творить может каждый, если не боится разрушить привычное.

Его наследие - это не музей и не архив. Это живое дыхание искусства, которое продолжает меняться, спорить, вдохновлять и провоцировать.

В каждом мазке его кисти - вызов времени, в каждой линии - вера в силу человеческого духа. Пикассо не просто жил в истории - он сам стал историей, и его имя останется с человечеством навсегда.

Рост Пабло Пикассо: 163 сантиметра.

Личная жизнь Пабло Пикассо:

Пабло Пикассо был не только величайшим художником XX века, но и человеком, вокруг которого постоянно бурлила жизнь. Его творчество невозможно отделить от его женщин - они вдохновляли, разрушали, спасали, страдали и становились отражением разных этапов его судьбы. Каждая из них оставила след - в картинах, в его биографии и в мифе о самом Пикассо.

Первая любовь - Фернанда Оливье

С Фернандой Оливье Пикассо познакомился в Париже, в «Батиньольской группе» - кругу молодых художников и поэтов. Она была моделью, свободолюбивой женщиной, с огненным темпераментом. Их отношения начались в начале XX века и продолжались несколько лет. Именно с ней художник пережил свой «Розовый период» - время мягких, чувственных картин, где царят цирковые мотивы и нежность.

Фернанда вдохновила множество его работ, но их союз разрушили ревность, бедность и вспышки гнева художника. После расставания она писала о нём с любовью и болью, признавая, что рядом с Пикассо невозможно было оставаться «просто женщиной» - он поглощал всё вокруг себя.

Ева Гуэль - муза нежности и трагедии

После расставания с Фернандой Пикассо встретил Еву Гуэль (настоящее имя - Марсель Гумбер). Она стала воплощением женственности и мягкости. Период их отношений пришёлся на годы расцвета кубизма. Художник боготворил Еву, называл её «Ма Жоли» - «моя красавица».

Но их любовь оборвалась трагически: Ева тяжело заболела и умерла. Для Пикассо это стало сильным ударом - после её смерти он надолго замкнулся в себе, а его творчество стало более мрачным и философским.

Ольга Хохлова - русская жена художника

В 1917 году Пикассо познакомился с балериной Ольгой Хохловой, танцевавшей в труппе Сергея Дягилева. Она происходила из благородной семьи, была утончённой, образованной и воспитанной в традиционном духе. Пикассо очаровал её харизмой, и вскоре они поженились.

Их брак стал переломным моментом. Пикассо вошёл в светский круг, начал писать элегантные портреты, а в его работах появились мотивы гармонии. В 1921 году у них родился сын Поль. Но со временем отношения испортились: Ольга ревновала мужа к каждой модели, а Пикассо тяготился её стремлением к порядку. Он начал изменять, а вскоре полностью отдалился.

Хохлова не захотела давать развод, поэтому формально они оставались женатыми до конца её жизни, хотя жили раздельно.

Мария-Тереза Вальтер - юная муза и буря страсти

В 1927 году, когда Пикассо было за сорок, он встретил семнадцатилетнюю Марию-Терезу Вальтер. Их встреча у витрины парижского универмага стала началом одного из самых страстных романов в истории искусства. Она была воплощением свежести, юности и физической красоты.

Пикассо рисовал её с особой нежностью - её образ можно узнать в мягких линиях, плавных формах и чувственных композициях 1930-х годов. От Марии-Терезы у него родилась дочь Майя.

Несмотря на то, что художник всё ещё был женат на Ольге, он жил с молодой любовницей, что приводило к постоянным скандалам. Их отношения длились много лет, даже когда в жизни Пикассо появились другие женщины. После его смерти Мария-Тереза покончила с собой - через четыре года после ухода мастера.

Дора Маар - женщина тьмы и гнева

Дора Маар, фотограф и художница-сюрреалистка, вошла в жизнь Пикассо в середине 1930-х годов. Она была умной, глубокой, с философским взглядом на искусство. Именно она документировала процесс создания «Герники».

Но их отношения были сложными и мучительными. Пикассо то восхищался ею, то доводил до слёз. Он говорил: «Дора - женщина, которая плачет» - и рисовал её в слезах на многочисленных портретах. Она страдала от его эмоциональной жестокости, но не могла уйти. После расставания пережила тяжёлую депрессию и долгие годы провела в уединении.

Франсуа Жило - женщина, которая смогла уйти

Франсуа Жило была молодой художницей, когда встретила Пикассо в 1943 году. Она оказалась одной из немногих, кто сумел не только вдохновлять его, но и противостоять. От неё у Пикассо родились двое детей - Клод и Палома.

Франсуа прожила с ним почти десять лет, но в конце концов не выдержала его измен и психологического давления. Она ушла сама - поступок, на который не решалась ни одна из его прежних женщин. Пикассо не простил ей ухода, но именно Жило позже написала знаменитую книгу «Жизнь с Пикассо», где впервые рассказала о сложной натуре художника без прикрас.

Жаклин Рок - последняя любовь и хранительница наследия

Последней женщиной в жизни Пикассо стала Жаклин Рок, работавшая на керамической фабрике в Вальтурне. Она была моложе его на тридцать лет, обожала художника и стала его опорой в старости.

Жаклин окружила Пикассо заботой, защищала от внешнего мира и ревниво охраняла его покой. После смерти художника именно она контролировала его наследие и доступ к архивам. Но одиночество и обвинения родственников в изоляции мастера тяжело на ней сказались - в 1986 году Жаклин покончила с собой.

Дети Пикассо

У Пабло Пикассо было четверо признанных детей от трёх женщин. Старший - Поль, сын Ольги Хохловой, вырос в аристократической атмосфере и стал автогонщиком и бизнесменом.

Дочь Майя от Марии-Терезы Вальтер сохранила добрые воспоминания об отце и позже активно участвовала в управлении его наследием.

С Франсуазой Жило у него родились Клод и Палома - оба занялись искусством и дизайном, а Палома стала известной дизайнером украшений и парфюмером.

Несмотря на известность, отношения художника с детьми были неоднозначными: он был непостоянным отцом, порой внимательным и нежным, но чаще - поглощённым своим искусством.

Миф о гении и его женщинах

Пикассо говорил: «Для меня существуют только два типа женщин - богини и тряпки». Эта фраза стала ключом к пониманию его личной жизни. Он не умел любить спокойно: каждая новая женщина вызывала в нём творческий взрыв, но со временем превращалась в источник мучений - и для неё, и для него.

Его картины - это не просто портреты, это эмоциональные автобиографии. Через женские образы он выражал свои страхи, страсти, вину и восторг. Каждая муза - это новый этап его внутреннего развития.

Жизнь Пабло Пикассо - это драма и вдохновение, искусство и страсть, любовь и боль. Он прожил долгую жизнь, но до конца дней остался тем же человеком, который нуждался в женщине не меньше, чем в красках. В них он находил отражение самого себя - гения, которого любили и боялись одновременно.

Самые известные картины Пабло Пикассо

Les femmes d’Alger (Версия O), 1955 год

Эта картина принадлежит к серии из пятнадцати работ, созданных Пикассо в середине пятидесятых годов, вдохновлённой полотном Эжена Делакруа. В мае 2015 года на аукционе в Нью-Йорке она была продана за 179 миллионов долларов, став одной из самых дорогих картин в истории. Сегодня её стоимость оценивается примерно в 170–180 миллионов долларов.

Garçon à la pipe (Мальчик с трубкой), 1905 год

Картина относится к «Розовому периоду» творчества Пикассо. Она изображает юношу с венком из цветов и трубкой, написанную с особой нежностью и вниманием к свету. В 2004 году картина была продана на аукционе Sotheby’s за 104 миллиона долларов. Сейчас её стоимость оценивается примерно в 100 миллионов и выше.

Young Girl with a Flower Basket (Девочка с корзиной цветов), 1905 год

Одна из самых лиричных работ художника, также относящаяся к «Розовому периоду». В 2018 году картина была продана за 115 миллионов долларов. Сегодня её стоимость оценивается в диапазоне от 110 до 120 миллионов долларов.

Child with a Dove (Ребёнок с голубем), 1901 год

Эта ранняя работа Пикассо относится к «Голубому периоду». Картина наполнена трогательной грустью и чистотой. В 2012 году полотно было продано в частной сделке примерно за 70 миллионов долларов. Ориентировочная стоимость на сегодняшний день - около 70–80 миллионов.

Guernica (Герника), 1937 год

Одно из самых знаменитых полотен Пикассо, написанное в ответ на бомбардировку одноимённого города во время гражданской войны в Испании. Картина - мощный антивоенный манифест, символ страдания и человеческой боли. «Герника» хранится в Мадриде, в музее Рейна София, и не продаётся, но её условная стоимость могла бы превысить 150 миллионов долларов.

Nude, Green Leaves and Bust (Обнажённая, зелёные листья и бюст), 1932 год

Одна из самых чувственных картин Пикассо, посвящённая его возлюбленной Мари-Терез Вальтер. В 2010 году она была продана за 106,5 миллиона долларов. На сегодняшний день стоимость оценивается примерно в 110–120 миллионов.

Dora Maar au Chat (Дора Маар с кошкой), 1941 год

Портрет возлюбленной и музы художника Доры Маар, написанный в годы Второй мировой войны. Картина сочетает в себе драму, страсть и экспрессию. В 2006 году она была продана за 95 миллионов долларов, а сейчас оценивается примерно в 100 миллионов и выше.

Le Rêve (Сон), 1932 год

Пожалуй, один из самых известных и эротичных портретов Мари-Терез Вальтер. В 2013 году коллекционер Стив Винн продал картину за 155 миллионов долларов. Сегодня её цена оценивается в 160–170 миллионов.

Femme assise près d’une fenêtre (Женщина, сидящая у окна), 1932 год

Ещё один образ Мари-Терез Вальтер. Работа была продана в 2021 году за 103 миллиона долларов. Текущее ориентировочное значение - около 100 миллионов.

La Lecture (Чтение), 1932 год

Интимный портрет Мари-Терез, изображённой в момент чтения книги. Картина продана в 2011 году за 40 миллионов долларов, но с учётом роста цен сегодня могла бы стоить около 80–90 миллионов.

Les Noces de Pierrette (Свадьба Пьеретты), 1905 год

Одна из самых загадочных и редких работ Пикассо, написанная в «Розовом периоде». Картина была продана за 51 миллион долларов и оценивается примерно в 60 миллионов.

La Femme Fleur (Женщина-цветок), 1946 год

Картина символизирует женственность и возрождение. Работа считается одной из ключевых в позднем периоде творчества Пикассо. Её ориентировочная стоимость - около 50–60 миллионов долларов.

© Сбор информации, авторская обработка, систематизация, структурирование, обновление: администрация сайта stuki-druki.com.